Author Archives: Comunicación Mes de Danza

Vuelve Bailar Mi Barrio a los Distritos de Sevilla

EN 2018 BAILAR MI BARRIO CELEBRA SU TERCERA EDICIÓN, CONTINUANDO CON SU OBJETIVO DE DIFUNDIR LA DANZA CONTEMPORÁNEA EN CONTEXTOS DONDE HABITUALMENTE NO SUELE LLEGAR Y CONECTÁNDOLA DIRECTAMENTE CON LAS COMUNIDADES VECINALES. Con el impulso del festival MES DE DANZA, el Instituto de Cultura del Ayuntamiento de Sevilla (ICAS) pone en marcha una nueva edición del programa BAILAR MI BARRIO, que en 2018 llegará a los Distritos de Este-Alcosa-Torreblanca y, por segundo año, Cerro-Amate. BAILAR MI BARRIO 2018 está bajo la dirección artística de Marco Vargas y Chloé Brûlé. La incorporación de estos creadores supone la apertura del proyecto a nuevas variantes de la danza contemporánea, que en este caso pasa a trabajar también con los lenguajes flamencos. Como cada año, BAILAR MI BARRIO se articulará en torno a dos líneas de trabajo. Por un lado, los creadores montarán una pieza de danza, cuyo proceso de creación transcurrirá, en parte, en un espacio público, que en esta edición será el Parque Estoril en Cerro Amate. Por otro lado, se trabajará con los vecinos del Distrito Este-Alcosa-Torreblanca en la creación de un video-danza sobre una base coreográfica creada también por Marco y Chloé.  DESCARGAR CONVOCATORIA PARA PARTICIPAR EN VIDEO-DANZA  Tanto el estreno del espectáculo como la proyección pública del vídeo-danza se presentarán el sábado 28 de abril en los dos distritos implicados, coincidiendo con la celebración del Día Internacional de la Danza. + sobre Bailar Mi Barrio

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Estreno de “Error” en el Teatro Central

Recuperamos el vídeo sobre Danza y Educación de MES DE DANZA 24 para recordar el maravilloso trabajo realizado en “Error Young Vibes” con jóvenes del Instituto Bécquer con motivo del del estreno oficial de “Error”, la pieza de danza en la que se inspiró este proyecto. “Error” podrá verse el sábado 27 de enero en la Sala A del Teatro Central de Sevilla. Coreografiada por Juan Luis Matilla, “Error” tendrá en escena a un elenco integrado por Rocío Guzmán, Natalia Jiménez, Ellavled Alcano, Ana G. Morales, Laura Morales, Elisa del Pozo, Silvia Balvín, Bárbara Sela y Javier Mora. Participarán, además, bailarines del Centro Andaluz de Danza y el coro de la Escolanía Ars Cantus.  https://www.juntadeandalucia.es/…/teatro-centr…/evento/error      

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**Enfoque para escribir // de creadora a creadora

NATALIA JIMÉNEZ GALLARDO Foto: Nori Peñas / Taller Instantes en Movimiento (Primer impulso de escribir después de ver la pieza de Somewhat paler de Bárbara Sánchez) Después de que Bárbara Sanchez durante diez minutos de relleno, desmantela las caras falsas de la moneda, nos sitúa en un panorama denso de la situación artística. Un relleno o tripas de salchichón de críticas y descontentos que ponen al yo del espectador/a en la pregunta del dolor ¿Por qué? El cuerpo de Bárbara no cesa de hablar y de limpiar su boca, en paralelo sus piernas y en paralelo sus cuerpos que nos adentra en el no tiempo, en la desorientación y la indigencia de quien planea un viaje al fondo. Su cuerpo transformado está lleno de sentidos. Bárbara no se deja nada fuera, va con el todo y hasta el final. Ella se transforma y llega a la catarsis, sólo, cuando la imagen toca el punto más grave. Ahí, en ese momento su garganta se inflama y es de color. Su gesto descansa en lo cotidiano y en el comentario hacia su acción, se arma de valores y construye una escena catártica también, donde empodera la imagen del coño animado, de una virgen prostituta que nos remite seriamente a la madre que nos parió, al no me gires la cara, gorda y a la modernidad que nos borra. El coño nos avisa del principio, de la guerra y del dolor. El coño transforma la pregunta del ¿Por qué ? en ¿Hasta donde? De mi 1º persona a tu 3º persona (Partiendo de la escena de la diagonal donde se golpea el costado) Su cuerpo toma aire por la boca, su gesto facial se alimenta de la tensión verbal, en contraste con una mecánica sensible, mientras se golpea el costado con tanto amor, que no sé donde encajarlo al mirarla e identificar donde ha llegado. ¿Hasta donde puedo llegar yo compañera? En un momento, sentí pudor de creadora a creadora, qué se cuestiona el ¿Hasta dónde? …Se me relaja la mandíbula al mirarla, ya no tengo que morder porque ella, lo hace por mí. Ella me presenta al sufrimiento y me recuerda mi miedo a atravesarlo. Quizás sea eso, atravesarlo. Quizás por eso yo atravieso la escena y su cuerpo cuando está en la silla fragmentada. Cuando emergen sus pechos del body, mantengo mi mirada en su pelvis alta. Cuando su columna se hunde hacia delante, yo me hundo en la silla también. Puedo sentir nuestra joroba en la espalda y me quito los zapatos para tocar tierra. Cuando ella nos mira de frente, siento que no tengo escapatoria, sólo puedo estar allí con ella. Se me gira el cuerpo 180 grados para saciar mi necesidad de mirar a su madre, a Maria, a Isabel, a Alicia, Alberto y a todas las nombradas. Gracias **Enfoque para escribir // de creadora a creadora

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La silla incómoda

MILA ORTIZ Foto: Kiko Tirado / Taller Instantes en Movimiento Desde mi butaca entre el público, no encuentro una postura única para percibir todo lo que Bárbara Sánchez se atreve a mostrarme. Presiento que se me escapan cosas, porque hay mucho más de lo que parece bajo la superficie de esta obra, que empieza como un monólogo cínico y termina como una catarsis agónica. Me incorporo en el asiento como si pudiera estar más cerca, como si tuviera unos prismáticos. Nada sobra en este escenario precario pero hay que estar muy atentos tanto a las repeticiones como a las transiciones inesperadas. La directora del taller me dijo que me fijara sobre todo en el cuerpo. Debajo de esa peluca, de esa chaqueta y botas de cuero, de su desnudo y detrás de la superposición de las palabras que resumen historias tristes, los gestos, las canciones populares, los pocos objetos de atrezo, los gritos, las monedas contra el cristal, los ruidos de piel golpeada y la madera de esos zancos imposibles hay una actriz y una persona (a veces reducida a una mente cruel) que se alternan sin aparente control. Este animal bicéfalo lucha por tener razón y lleva al cuerpo a la autodegradación. De todo este cúmulo de experiencias, me impresionan dos elementos, un objeto cotidiano frente a uno insólito, la silla y los coturnos, unos zapatos de suela alta de madera que servían a los actores de las tragedias grecorromanas para estilizar la figura y que ciertamente empoderan a Bárbara aunque siga con su lucha interna. La silla pasa de ser un sostén para su cuerpo rígido mientras su lengua se suelta, donde se ensaña con Sevilla y su público, en contraposición con un momento más dramático en el que cae al suelo y donde ya no puede ni siquiera incorporarse lo más mínimo, como si se le hubieran dormido los miembros. Más tarde se convierte en una carga, la que enrolla dentro de su manta de vagabundo ebrio, que guarda celosamente sus escasas pertenencias y se desliza pesadamente por el suelo como un caracol (¿cómo se puede ensayar eso?). Y termina por ser el trono de en la representación de la virgen, icono del sufrimiento femenino. Por otro lado, los coturnos son ese pedestal de cemento en el que la mujer se exhibe sin tapujos, se vende, se pone en peligro al subir y bajar las escaleras (me alarga su mano para que la ayude a bajar, lo que me produce una ternura infinita) y trata de volver a controlar su respiración y sus movimientos. Hay una escena en concreto en la que la respiración cambia su curso habitual, está forzada con el discurso casi imperceptible, inspirando desde dentro, se le inflama la boca y la garganta, saca la lengua, expulsa gemidos de ahogo y trata de mantener el equilibrio sobre ese pedestal ficticio. Solo su pecho cuelga, el resto del cuerpo está en tensión. Seguidamente se flagela hasta que su armazón corporal acaba rindiéndose literalmente, en un movimiento lento de arriba abajo, en el que va cayendo al fondo de sí misma, la locura derramada y escurrida con una fregona que es el ritmo del propio cuerpo retorcido. Solo puede dar pasos pesados y movimientos cortos. Se agacha y tumba el zanco, los brazos parecen las alas de un pájaro recién nacido y caído de un nido. Me doy cuenta de que ha conseguido bailar sin pies y sin suelo, esta mujer valiente por mirarse por dentro y transformarlo en teatro, en una danza venenosa que no trata de ocultar nada, ni lo más intimo y donde las sombras que nos persiguen se convierten en arte. Gracias a Bárbara Sánchez en Somewhat Paler por su imponente estudio del cuerpo para sacudirnos la consciencia y a los miembros del taller por sus aportaciones, indispensables para devolver a mi memoria ciertos momentos de un espectáculo inolvidable en su esencia.

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En plena resaca de Somewhat Paler

MARÍA JESÚS DE LOS REYES MANZANO Foto: Nori Peñas Para hablar de Somewhat Paler tengo que hablar de esta sensación incómoda. Incomodidad por algo inconexo o incompleto, algo que no llego a entender, a resolver. Y, por haberme sentido usada para que la artista se limpiara de tantos y varios pesares y enfados. En un primer lugar, asistir a esta representación me lanzó a mi propia intolerancia. Seguía repitiéndome… “Así no se construye escénicamente ese discurso…” “No entiendo, no conecto con las transiciones ni las duraciones de los estados que nos expone…” “Falta tiempo en detalles que dan sentido al todo y sobra tiempo recreándose en gestos que ya se reconocen desde un principio…” “A qué tanto regodearse en la miseria del otro y en la suya propia, sin ninguna otra intención más que la de exponerlas y hacer sentir mal al otro, tan mal como ella se siente…” El arte, desde mi punto de vista, que yo tomo como verdad, puede ser considerado como el derecho de expresarse libremente, sea lo que sea que se quiere expresar. Así que, por esa verdad, mía, empiezo a mirar desde otro punto de vista. Sentí miedo, asco, impotencia, enfado, tristeza e incomprensión… Dicen que si la intención de la artista se transmite a su público, la pieza es coherente, completa, y la artista ha conseguido su objetivo en el acto de la comunicación. Me falta saber la intención original de Bárbara Sánchez para afirmar esta coherencia. Me queda por tanto, mi experiencia como público. Y desde ahí, vi como su cuerpo me era acercado, expuesto, se me arrastraba a mirarlo, pero para qué…? Según sentí, para recibir bofetadas visuales llenas de crítica iconoclasta sobre el cuerpo en la cultura de las artes escénicas, la religión y el género en nuestra sociedad actual andaluza. Y también sentí que me faltó tiempo para quedarme en los pliegues de sus rodillas, en las líneas de sus costados, en el juego de sus ojos mirando y desquitándose. Tiempo para esos detalles que construían algo mucho más completo e importante que lo que se nos lanzaba a manos llenas a primera vista, como por ejemplo la sutilidad del uso de las luces, que construían un cuerpo mítico, mitológico, mágico y obsceno por momentos, y a veces a un mismo tiempo. Ese cuerpo con el que me he quedado con ganas de que me cuente más. Y también, con más ganas de ese cuerpo del final, que se viste cual emperador romano y sale a recibir las glorias con una mirada llena de un poder muy especial, el de saber decir: “Sí, todas estas miserias son mías, tan mías como tuyas. Tuyas porque vienen de ti y las sufro yo. O tuyas porque tú también las has sufrido como yo.” Creo que a veces se le llama dignidad a ese poder que nada ni nadie te puede arrebatar, cuando sabes quién eres, sea lo que sea, y no lo escondes. Y me he dado cuenta, es obvio, que todo mi conflicto viene porque yo lo que quería era ayudarle a ser feliz, solucionar todo su embrollo, que hubiera paz al final de la guerra, señora. Quiero una conclusión más allá del ser digna tras una explosión de ira, impotencia o victimismo. Quizás necesité más tiempo en ese final de empoderamiento, para que su presencia acumulara suficiente sentido en mi cabeza y así poder poner paz, la paz que yo deseo, con la dignidad de ser quien cada cual es.

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Somewhat Paler

ISABEL VÁZQUEZ TORRES Foto: Kiko Tirado / Taller Instantes en Movimiento Una mujer avanza desafiante hacia el centro del escenario y formula una pregunta, ¿POR QUÉ? ESA ES LA PREGUNTA DEL DOLOR. Y es ese dolor el que vertebra la obra. Se percibe pronto que esa mujer dura que aparenta ser es solo una pose y que tras una peluca habla de Bárbara en tercera persona. Diez minutos “de relleno” donde con sarcasmo pasa revista al panorama cultural, a “la colonització moderna”. Cómoda en la narración e incómoda en el gesto repite ¿QUÉ QUERÉIS DE MÍ? Hace referencia a Jan Fabre para entrar en el drama, para caer al suelo y romperse, para pasar a ese otro plano donde la intérprete nos hablará en primera persona. Y comienza un viaje arrastrado que la lleva a construir una especie de lugar mágico donde sus harapos se convertirán en manto de Virgen o toga de Cesar. Como una niña con los tacones de su madre juega al juego de “las historias tristes con tres palabras”. Las palabras son sustituidas por gemidos que salen de lo más profundo de su ser animados por una palmada en el costado, que aunque suave rememora un doloroso latigazo y que le abren la puerta al monstruo. Virgen irreverente y epatante que baila al ritmo de una marcha procesional. Que solo se acerca al público para reivindicar y recordarnos que “el coño se paga aparte”. Virgen sin ojos que dice/canta que “todo es de color”. Mujer rota que grita su rabia en una catarsis final donde nos habla de una guerra que esta librando contra ella misma. Renacida, liberada, se cubre con el manto/manta y nos mira desde el poder que le otorga su dignidad.

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El gesto y su percepción

HUBERT GODART Foto: Kiko Tirado / Taller Instantes en Movimiento El gesto y su percepción en M.Michel y I.Ginot, “La danse au XXe siécle”, Larousse, Paris, 1995, p. 229 “La atención en los contenidos del movimiento, en su cualidad más que en sus contenedores (época, escenografía, vestuarios, narración, música, etc.), a su contorno, hace surgir de correlaciones, de similitudes, entre danzas que serán habitualmente clasificadas dentro de categorías alejadas: es en el gesto mismo que se organiza la producción del sentido.” “Sobre todo, este método de acercamiento mete el acento sobre el trabajo del bailarín en sí mismo, que condiciona plenamente la producción del sentido. Es de hecho perturbador de ver a cuál punto la historia nos deja nombres de huellas sobre los vestuarios, los músicos, los coreógrafos, pero queda totalmente mudo sobre los bailarines y su trabajo, su entrenamiento, sus técnicas corporales, en resumen, sobre los fundamentos reales de la danza. ¿Este silencio es verdaderamente el solo hecho de la tradición esencialmente oral de la transmisión en danza? ¿O este velo dará a descubrir que la “res-publica” produce necesariamente dentro de su estela una cierta restricción de la “res-corpórea”? El bailarín será entonces un heraldo, testigo de los movimientos de la cultura que reposa tal vez ante todo en lo más profundo de la génesis del gesto.”

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DANIEL IZQUIERDO Foto: Kiko Tirado / Taller Instantes en Movimiento Primer texto (primeras visiones, impresiones y reflexiones sobre lo que me transmitió la obra en general) Una primera sección, espacio cero de la actriz, “¿por qué?”. El humor como herramienta, la crítica, el recurrir al cotilleo para prevenirnos, como preámbulo de que existe un desajuste, que no es fácil el rol del artista. La sala, una suerte de Mesopotamia en decadencia, alegoría de una precariedad que quizás tan solo un cambio de percepción pueda virar en escenario digno.  Monte Olimpo, el drama griego y los tranquilizantes, síntoma de una sociedad que se debate por no desquiciarse. La caída, el pez que no logra sino a duras penas respirar fuera de su medio. Un torso desnudo, luz contrastada en la ausencia, recogida a un rincón. La virgen, la prostituta, se habla desde un cuerpo femenino en singular, la banda sonora de una Semana Santa a la que se respeta y de la que es difícil desmarcarse.  Los coturnos, historias tristes en tres palabras. Un carril, que engrasadas las vías nos lleva a la dureza de una vida que no por ello merece menos la pena ser vivida. Los parches, ‘we are all running with our hands in front of our eyes‘ leí hace unos días plasmado con un estencil a la salida de mi parada de metro en Lewisham, sureste de Londres.   La manta, alfombra como digna capa, como la toga que la envuelve detrás de una tragedia confesada: la de una vulnerabilidad, como la de cualquier ser humano. La guerra como clímax del miedo y la aberración. Las mil barbaries a afrontar, las que reducen a un sinfín de historias tristes de tres palabras, o que por contra necesitan muchas más, o tal vez el grito en vez de palabras. El silencio que le sigue. La reflexión al sufrimiento obligado. La esquina como dispositivo espacial dramático. El pajarito hacía pio, pio. Volar sin casi plumas en las alas. El deseo de escapar a sabiendas de que no hay una tabla de salvación. La peluca sacrificada en pos de liberarse de un pudor esperado en el que mira. La esquina, los límites del escenario como metáfora de la exploración de nuevas vías expresivas. La luz, los coturnos, la Semana Santa, el rock andaluz como origen y destino propio de nuestras emociones. Podemos elegir un momento o toda la obra, lo esencial permanece, constante e irresoluto, dolorido y por encima de todo como síntoma de vida.   ::::::::::::::::::::::::::::::::: Segundo ejercicio de análisis en referencia al segmento de la obra que visualizamos en vídeo (con y sin sonido) Animalización, lengua, respiración pesada y agónica. Retorno a la precondición del lenguaje. El ruido y el grito como semántica de una incertidumbre personal. Y al agacharse, la escatología, un deseo primario. Retorno de un giro de cabeza que se hace continuo y crece en intensidad, intersticio hacia el Monte Olimpo como vía de restitución de origen del drama. Despojarse de lo superfluo, viaje a ras de suelo, rodillas flexionadas. Una inclinación, prefacio al éxtasis de la flagelación. Sufriente. Ça suffit. Existencia atrapada en la idiosincrasia de una cámara lenta. Bárbara genera movimiento desde la tensión corporal. Postura erguida, apertura de laringe al mundo del exterior que la envuelve y le demuestra incomprensión. Comienzo de un descenso moroso, apertura del suelo pélvico, llegada a una posición de cuclillas. Coturnos como eje central de la estabilidad. Torso y cabeza giran, anclaje físico nos remite a la sólida base de los coturnos.  Cuerpo pesado, monumental la agonía, la calidad del movimiento le confiere un carácter pesado, como si deshacerse de esa agonía fuese una labor hercúlea. La respiración profunda, sonora y disruptiva contribuye a subrayar el desencaje existencial que persigue buscar respuesta. Voz que parece nacer del aliento. Boca como punto de entrada y salida. Punto de desdoblamiento inicial el eje diafragmático, flexión de piernas, eje pélvico en conexión al diafragmático que vuelve de nuevo a contorsionarse en una suerte de autoflagelación del costado derecho. La mirada de Bárbara elude al público cuando los minutos iniciales de la pieza su mirada buscaba, directa, entablar un contacto con los presentes en la sala.     La situación ahora es otra. Se repliega Bárbara a la esquina en las traseras del escenario, su centralidad y predominancia inicial se difuminan. Se comienza un viaje interior que nos lleva a las postrimerías de un yo que comienza un personal duelo, que a la vez es íntimo y personal, pero que por estar en un escenario se expone, ya sea de manera oblicua a partir de este momento. La mirada elude ahora al público y la tenue luz que baña su cuerpo desprovisto de protección proyecta la figura y persona de Bárbara a un espacio vulnerable, íntimo y propio.       

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El proyecto Shapers sigue creciendo

Completando el ciclo iniciado en 2016, cuando “Shapers” se presentó en MES DE DANZA dentro de Creaciones en Proceso, en esta edición 24 el público ha podido disfrutar de la pieza completa, fruto del trabajo de meses de este heterogéneo equipo de jóvenes bailarines de Egipto, Marruecos, España y Francia.  MES DE DANZA presentó este año el estreno en España de “Shapers” el 28 de octubre en los exteriores del Pabellón del Futuro de Sevilla. Pero, además, el proyecto pudo verse en una función especial en el Centro Penitenciario Sevilla I, de la mano de Solidarios ONG, y en el Centro de Creación Contemporánea de Córdoba, C3A, de la mano de la Casa Árabe. Éste es el resumen de todo lo vivido en estas intensas jornadas. “Shapers” es un proyecto de formación y creación para jóvenes intérpretes en torno a la danza en espacios públicos. Un proyecto de colaboración euro-mediterránea entre Francia, España, Marruecos, Egipto y Bosnia-Herzegovina que cuenta con financiación del programa Europa Creativa.

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Creadores andaluces en MES DE DANZA 24

Damos voz a algunos de los creadores andaluces que han pasado por MES DE DANZA 24. Conoce su visión sobre el lenguaje coreográfico andaluz y las condiciones de creación actuales. Para el festival es fundamental el apoyo a la creación local, trabajando año a año para darles visibilidad y reconocimiento.

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