Author Archives: AntonioMariaGonzalez

Antonio M González Castro La declaración de intenciones que Manuela Nogales nos ofrece con su espectáculo “de claves y declive” no es más que otro registro para consolidar a la autora como una de las más reconocidas bailarinas y coreógrafas de la danza contemporánea en Andalucía. Con una dualidad serena y sucesiva entre el sonido real y el artificial, podemos intuir que su decisión de colaborar en directo con la música de la pianista Tatiana Postnikova es una reafirmación de los principios de complicidad inseparable e interpretación irrepetible entre danza contemporánea y la música en vivo. Esta propuesta ha sido recogida en las iniciativas programadas por la 20ª edición del Mes de la Danza de Sevilla y se ha desarrollado en la sala B del Teatro Central. Una actuación basada principalmente en el solo, queda estructurada en varios actos caracterizados por la intervención aislada o conjunta de ambas participantes. Los movimientos de Nogales parecen surgir casi de manera automática y su coordinación con la música “in situ” le ofrece recursos de precisión, reverberación y zarandeos en torno a los diferentes acordes. Su danza se convierte en gesto, un gesto connotativo de su yo íntimo en relación al acto cotidiano que, sin poder evitarlo, conduce al espectador a un ambiente donde sentirse familiarizado. El juego de la alternancia, de las caídas y levantamientos, de los periodos convalecientes tras etapas de abatimiento consigue que las posibles cuestiones que se plantean en la obra puedan ser atribuidas a cualquiera de nosotros. La danza funciona como símbolo de una realidad que se acerca al terreno de lo inefable, propio de la danza como afirmación de sí misma. Pero existen referencias fácilmente interpretables por todos: ciertos suspiros y anhelos, señalizaciones con el dedo índice, recuentos, alusiones a la superación a través del “mira qué músculos tengo”, etc… Son maniobras sutiles, pulcras, que definen un lenguaje tácito repleto de ritmos y movimientos alternos. La danza se concibe como placer de lo introspectivo, como actividad lúdica y de autosatisfacción, aspectos muy comunes en personas de la categoría de Nogales donde ya no hay tanta preocupación por la trascendencia de su obra sino por pasárselo bien con ella. Con sólo visitar su estudio –un local discreto y humilde, desapercibido cuando andas frente a su puerta – podemos intuir un cierto descontento con el mundo de la danza contemporánea (quizás por no haber sido lo suficientemente reconocida) y comprender que sus previsiones de futuro ya no son quimeras sino metas más sencillas. Frecuentes alusiones a lo femenino (la barriga, los pechos, la persuasión de un movimiento de manos) se configuran en secuencias un tanto aburridas puesto que en varias ocasiones la manera de articular los gestos resulta muy similar y reiterativa.   De claves y declives  Coreografía e interpretación: Manuela Nogales  Música de Tatiana Postnikova Martes 12 de Noviembre de 2013

Antonio M González Castro   El acercamiento a las culturas y a las sociedades es un característica que Hilda Islas Licona –investigadora, bailarina y coreógrafa – reconoce en buena parte de la danza contemporánea y que claramente podemos apreciar en esta pieza denominada Work is all Time in Progress. Forma parte la iniciativa de la 20º edición del Mes de Danza de Sevilla por acercar las propuestas de jóvenes creadores en función de sus temáticas geográficas, en concreto la de tres bailarines del Norte de África: Atbane Younes, Atbane Zouheir y Aziz Nadif.   Este acercamiento a lo marroquí es especialmente valorado en la elección de un determinado emplazamiento para el espectáculo: el Pabellón de Marruecos de la Expo 92 (actual sede de la Fundación Tres Culturas). Una puesta en escena caracterizada por su simpleza y neutralidad es contrastada con la ambigüedad del mensaje y el hilo “narrativo” de la obra. La escenografía se completa con accesorios cotidianos y el vestuario consigue unificar a través de sus colores el papel de los bailarines. Ellos van definiendo el argumento de manera vocal entre el francés y el árabe y visualmente con la proyección de subtítulos en castellano. Es entonces cuando se entretejen una serie de acontecimientos que aluden a circunstancias de la vida real pero quedan ridiculizados de una forma humorística por la presencia de discursos ficticios y surreales. Esta dualidad es la que fomenta una extendida percepción de los hechos (tal y como ellos apuntan: “Interesa la relación artista-público-escenario”). La sencillez con que presentan los planteamientos contrasta radicalmente con la anti-naturalidad del lenguaje corporal. Los bailarines se enfrentan a sus problemas con un conjunto de movimientos abruptos y angulosos, a modo de resorte que va y viene sobre sus propios bloqueos. Despreocupados por la técnica, la dinámica de sus gestos parece cometida por un ligero toque de arbitrariedad. Paralelamente, una música ambiental con un cierto tono chirriante y virtual, acompañada a esa realidad que de modo alguno se nos presentar como artificial. El bailarín se muestra como personaje “hacedor”, “manejador” y “sufridor” del espectáculo intentando alcanzar sus aspiraciones personales y esos “15 minutos de fama que todo el mundo debe tener” –tal y como decía Andy Warhol –  pero ese deseo despiadado por alcanzar la “gloria artística” los hace esclavos de sí mismos. En un marco físico donde no hubo sitio ni para la desbordante cantidad de público interesado ni para las aspiraciones personales de sus creadores, el único hueco común que parece existir entre ambos es el humor.