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Fascinante trabajo el de La Veronal y Marco Morau en su espectáculo Rusia. Una pequeña joya escénica que nos ha regalado este Mes de Danza 19 y que nos transportó durante 60 minutos a una especie de thriller de terror coreografiado inspirado en la estética y los tópicos de la Unión Soviética de los 80. Un misterioso viaje en coche al sur de Siberia es el hilo conductor del montaje. Con mucho de la estética del cine mudo, proyectando los diálogos en una pantalla, los ocho bailarines de La Veronal recrean un universo coreográfico inquietante y tenebroso que atrapa al espectador desde el primer momento. Movimientos rítmicos, enérgicos, frenéticos, incluso, ejecutados con precisión y con destreza. Un espectáculo que trabaja por igual la coreografía grupal, los paso a dos y los solos individuales, puertas abiertas de par en par para que cada uno de los intérpretes demuestre sobradamente su calidad. Se queda grabada a fuego una pieza de dos de las bailarinas en la que demuestran un dominio absoluto del movimiento, del sentido del espacio y de los portés, unos minutos hipnóticos que incluso despertaron algunos aplausos y bravos extasiados a su conclusión. También fascinante una de las piezas finales, el solo sobre la nieve con la presión y la impostura de la figura militar, una coreografía verdaderamente emocionante. En realidad, es difícil destacar unas sobre otras, porque el espectáculo está trabajado con gran solidez. Ciertamente la pieza es un extraño viaje, una recreación de tópicos e imágenes que todos asociamos en mayor o menor medida a Rusia y a la esfera de la Unión Soviética. Con un estilismo muy logrado (vestuario, ambientación musical, incluso la nieve del final, ¡cómo concebir un viaje a Siberia sin nieve!) y ciertos guiños humorísticos, Marco Morau y sus bailarines construyen un espacio asombroso para bailar el miedo en sus múltiples expresiones. Un espectáculo original y brillante, de esos que, como espectador, se agradecen enormemente por la sensación de catarsis, de frenesí y de emoción que suscitan. Texto: Gloria Díaz | Foto: Luis Castilla La Veronal. Rusia. 15/11/2012. Teatro Central

El espectáculo que ofreció Janet Novás en la Sala Manuel García del Teatro Maestranza es de esas piezas de danza que saboreas durante un buen rato una vez terminada la función. Hay fotogramas que se quedan grabados y que perduran bastante en la memoria. Y es que Cara Pintada es un espectáculo, ante todo, de una plasticidad asombrosa. Un juego de colores, de luces, de contrastes, el impactante efecto de los brillos dorados sobre el rostro de la bailarina. Danza en la retina. Pues sí, el lema de este Mes de Danza 19 se me vino rápidamente a la mente en relación a este espectáculo. No existe una vinculación directa con las artes plásticas, como podía haber, por ejemplo, en la pieza de Ro&Marí o en la de Roberto Martínez, pero Cara Pintada es como un gran lienzo del movimiento, del gesto, de la expresión corporal. La propia Janet Novás, en un momento dado, juega con la idea de que su cuerpo es la pintura que puede verse en uno de los marcos que componen la exigua escenografía. Es una pieza que tiene mucho de  poesía visual. Cara Pintada es, además, un espectáculo muy vinculado a la exploración de las fronteras entre la danza, la performance e, incluso, el teatro. En el trabajo de Novás se nota la influencia del fantástico equipo del que se ha rodeado para esta creación: Ricardo Santana, coreógrafo y performer, de Frank Chartier, director artístico dePeeping Tom (muy presente el espíritu surrealista de Chartier en el alma de la pieza), de Carmen Werner, directora de Provisional Danza, y de Daniel Abreu. El trabajo del cuerpo, el movimiento y el gesto realizado por la bailarina es de una intensidad y de una expresividad asombrosas. Lo dicho: Cara Pintada, imágenes en movimiento para retener en la retina. Texto: Gloria Díaz | Foto: Luis Castilla Janet Novás. Cara Pintada. Teatro de la Maestranza. 13/11/2012 ElClubExpress.com es medio colaborador de Mes de Danza 19

Mes de Danza ofreció en la primera de sus programaciones de sala en esta decimonovena edición un programa doble en La Fundición a cargo de la compañía Proyecto Titoyaya. Estos valencianos se atrevieron nada más y nada menos que con sendas piezas de Gustavo Ramírez y de Daniel Abreu, con un resultado sorprendente. La primera de ellas, Línea horizontal, creada expresamente por Daniel Abreu para Proyecto Titoyaya, es una coreografía de gran belleza visual. Con un componente muy poético, los tres bailarines se deslizan armónicamente del frenesí absoluto a movimientos tan pausados que casi recuerdan a la cámara lenta cinematrográfica. Un espacio casi desnudo desde el punto de vista escenográfico (linoleo blanco, un sillón y poco más), un espacio sonoro en el que el silencio juega un papel importante en algunos momentos, otro tipo de desnudez al fin y al cabo, y desnudos de cintura para arriba los propios bailarines la mayor parte de la pieza, Línea Horizontal, es un espectáculo íntimamente ligado al deseo. Deseos de vivir, de morir, de ser, de tocar, de sentir… Una pieza que va meciéndote, en un dulce arrumaco. Y con Radio.station llega el contraste, e incluso el desconcierto, inicialmente, por lo diferente de los planteamientos. La coreografía que propone Gustavo Ramírez es mucho más salvaje, más radical, reivindicativa e, incluso, furiosa. Con un alto componente audiovisual (una gran parte del montaje transcurre a través de proyecciones en las que los bailarines hilvanan un discurso sobre sus preocupaciones y sus miedos simulando un programa de radio), la danza es más frenética, explosiva, desprovista de la dulzura mostrada en Línea Horizontal. De menor duración, Radio.station es un contraste  una coreografía de contrastes, en la que se pasa de la alegría a la angustia, de la superficialidad a la reflexión. En definitiva, dos piezas muy diferentes entre sí pero que crean, en conjunto, una buena composición que pone de manifiesto la excelente proyección del trabajo de Proyecto Titoyaya. Texto: Gloria Díaz | Foto: Luis Castilla Suite#1. Proyecto Totoyaya. 6/11/2012. La Fundición Teatro ElClubExpress.com es medio colaborador de Mes de Danza 19

Mes de Danza 19 llega a los espacios escénicos después de un brillante arranque de esta decimonovena edición con  la programación en espacios singulares. Convertido en todo un referente en el ámbito cultural en Sevilla, casi es difícil concebir el mes de noviembre sin nuestras calles y teatros inundados de danza. En este seguimiento especial que estamos haciendo de esta edición desde ElClubExpress.com, hemos querido ponernos un poco nostálgicos y echar la vista atrás para recordar con su directora, María González, el camino recorrido hasta llegar aquí. Texto: Gloria Díaz Un festival en la ciudad de Sevilla que cumple su decimonovena edición y cuya temática es, además, la danza contemporánea. Parecen piezas difíciles de encajar, pero es el fantástico puzle que Mes de Danza ha conseguido armar con un trabajo minucioso y constante. Desde 1994, paso a paso, se ha ido construyendo un proyecto que ha ido creciendo, evolucionando y consiguiendo hito tas hito. Intentando trazar en una línea del tiempo la evolución del festival en estos años, su directora María González es capaz de identificar fácilmente los grandes momentos que han ido construyendo lo que es hoy Mes de Danza: “dejar de programar exclusivamente en la antigua Sala La Imperdible para abrirse a nuevos espacios de exhibición; comenzar a programar en espacios singulares además de en los convencionales; plantear extensiones en otros puntos de Andalucía; consolidar Cádiz como una extensión estable y fomentar las actividades paralelas como una seña de identidad más de Mes de Danza“. Todo ello sin contar con la aportación al fomento del tejido creativo en Andalucía, pero de eso hablaremos más adelante. Diecinueve años abriéndose camino, diecinueve años que dan bastante vértigo: “Desde el punto de vista personal, salvando las distancias, esto es como una especie de hijo, que lo ves crecer y que te remite a tu propio paso del tiempo. Creces, maduras y envejeces al lado de un mismo proyecto”. En todo este tiempo ha habido muchas crisis pero nadie quiere (o puede) creer a María González cuando casi cada edición anuncia a su equipo que probablemente será la última. Pero ella también tiene los pies en la tierra y sabe que la mayoría de las veces no se habla de cancelar el Festival, sino más bien de reinventarlo, de reorientarlo para contextualizarlo en la situación social, cultural y del sector profesional de cada momento. Siempre está sobre la mesa la reflexión básica de si es el modelo necesario en el contexto actual. Es la búsqueda constante de nuevos retos y nuevas motivaciones para impulsar a todo el equipo y a ella misma a seguir adelante. Mes de Danza es una entidad viva, que crece, se expande, evoluciona y deja un recuerdo perdurable en la memoria colectiva y en la memoria individual (que precisamente están construyendo en su web desde hace dos años con las aportaciones del público y de los profesionales). María González tiene algunas imágenes grabadas en la retina, pequeñas pinceladas especiales en estos años: “el espectáculo de Juschka Weigel en el que durante dos horas bailaba desnuda sobre un lienzo simulado en la entrada del edificio San Luis; también en San Luis, pero en el patio, Pascale Gille presentó un bonito espectáculo en el que el público sentado en unas plataformas se iba moviendo; el grupo brasileño de hip-hop Membros; los documentales Un siglo de danza… A veces trabajas tanto en la urgencia que no eres consciente de todo lo que ha generado, de todo lo que ha mostrado este proyecto”. Pero aunque aquí María González se alce como portavoz y alma de Mes de Danza, también insiste siempre en dejar muy claro que el festival es una realidad gracias a un trabajo de equipo, con el (gracias al) que ha recorrido este camino.Fernando Lima, Alysson Maia, Salud López… Y su equipo actual con Ángeles Roquero, La Buena Estrella, la Agencia Sopa, Moriche y Vinuesa, Luis Castilla, La Suite… Mucha gente, muchos esfuerzos que hacen posible año a año una nueva edición. En definitiva, el agradecimiento al Mes de Danzaen su labor de difusión y fomento de la danza contemporánea en Andalucía debe ser manifiesto y explícito porque es mucho lo conseguido. Sin duda, y como apuntábamos al principio, su aportación a la creación de un tejido profesional consolidado en el mundo de la danza en Andalucía ha sido enorme, casi fundamental. “Cuando Mes de Danza comenzó -nos cuenta María- había que trabajar muy duro y luchar mucho para conseguir un equilibrio entre otorgar un lugar a la creación emergente en Andalucía, que aún era muy frágil y que, quizás, no tenía la calidad esperada para esta muestra, y satisfacer las expectativas del público. Eso es un problema que ya no existe porque ahora mismo los coreógrafos y bailarines andaluces están desarrollando un trabajo muy, muy interesante”. En estos diecinueve años, por ejemplo, se da ya la circunstancia de que hay bailarines y creadores que ya han tenido al Mes de Danza como parte de su formación. Si a esto le sumamos su integración como parte del imaginario cultural de la ciudad; el reconocimiento oficial con premios como el Premio de la Crítica de la XII Edición de los Premios MAX de las Artes Escénicas 2009 y el Premio El Público 2006 de la Radio Televisión Andaluza a la Institución Cultural; y un crecimiento exponencial del público edición a edición, el resultado es espectacular. Mucho trabajo, mucho esfuerzo, muchos sofocones, pero muchas alegrías y muchas satisfacciones. Es Mes de Danza. Cita indiscutible año a año, esperemos que María González no llegue a estar nunca en lo cierto y tengamos que afrontar una última edición. ElClubExpress.com es medio colaborador de Mes de Danza 19

Pocas veces un título hace tanta justicia a lo mostrado sobre un escenario. Subió el telón de Mes de Danza 19con una inauguración flamante en el Teatro Central a cargo de la compañía Ro&Marí y su espectáculo Alégrame el día… Y eso fue lo que hicieron. Un espectáculo fresco, divertido, con un toque naïf  que invitaba a dejarte llevar y, simplemente, disfrutar. La conjunción del trabajo de la artista plástica Ro Sánchez y de la bailarina María M. Cabeza de Vaca ha tenido como resultado una pieza de una enorme belleza visual. Desde la composición del espacio, pasando por el colorido que impregna el montaje y llegando al fascinante trabajo que Ro Sánchez hace con dos simples retroproyectores de transparencias. Unos “cacharros” que la mayoría asociamos a nuestra época escolar y que muchos pensábamos que ya casi ni existían, pero que en manos de esta artista esconden una infinidad de posibilidades estéticas que se plasmaban en vivo en el enorme lienzo en que se convirtió el ciclorama. Y, como no, el trabajo coreográfico de María M. Cabeza de Vaca, con movimientos dotados, al igual que todo el espectáculo, de gran belleza y plasticidad. Qué gran capacidad expresiva tiene esta bailarina, con su cuerpo, con sus gestos e, incluso, con su voz. Alégrame el día es un espectáculo festivo. Al margen de su punto de partida, una reflexión sobre el concepto de perfección desde el punto de vista de las dos creadoras, el resultado es un montaje dinámico y tremendamente fresco, en el que, además, hay grandes dosis de humor -inolvidable desde ahora su vídeo bailando una coreografía hawaiana- y en el que incluso Ro Sánchez se atreve a cantar en directo. A parte del espectáculo, la inauguración de Mes de Danza 19 volvió a convertirse es una especie de meeting point del sector. Profesionales, amigos, colegas que se encontraron para compartir un rato de charla y de diversión amenizado, además, por los chicos de Música Prepost pinchando en directo. A partir de ahora 25 días para disfrutar de la danza en Sevilla… Texto: Gloria Díaz | Foto: César Pérez ElClubExpress.com es medio colaborador de Mes de Danza 19

La construcción de un espectáculo es un trabajo laborioso y minucioso, que necesita de imaginación, creatividad y mucho, mucho esfuerzo. A veces algo que puede parecer tan obvio como un espacio y unos recursos para ensayar y para concentrarse en crear son una dificultad más que añadida, a la que tienen que enfrentarse muchas de las compañías andaluzas. Conscientes de esta problemática, Mes de Danza puso en marcha en 2009 el programa de Creaciones en Proceso, que no es más que reivindicar tiempo para la creación y que este año complementa con el programa de Residencias Creativas. Texto: Gloria Díaz Creaciones en Proceso surgió en 2009 para ofrecer a los coreógrafos andaluces la posibilidad de colaborar con las residencias de Endanza·Espacio Vivo en el Centro de las Artes de Sevilla y presentar al público la obra en dos fases: una inicial en la que se muestra el espectáculo inconcluso, en proceso de construcción, y una posterior en la que el Mes de Danza acoge su estreno. Dos perspectivas de la misma obra que ofrecen al público la posibilidad de reflexionar sobre los procesos que intervienen en la construcción de una pieza coreográfica. Este año, además, la organización de la muestra ha querido ir más allá y ha firmado sendos convenios de colaboración con El Graner – Fábrica de Creación (Barcelona) y La Nave del Duende (Casar de Cáceres), donde las compañías que mostraron sus trabajos incipientes el año pasado han podido desarrollar residencias creativas. Las producciones que se presentan este año como espectáculos completos y que se han beneficiado de este acuerdo son El Nido, de Cía. Xagua y Noemí Martínez, y Distopic, de Colectivo Malab vs Judith Matas. Como nos cuenta Noemí Martínez, la residencia en El Graner (cuando hablamos con ella estaba apunto de comenzar la de La Nave del Duende) «ha sido una experiencia increíble a nivel humano y a nivel profesional. Hemos entrado en contacto con otra forma de trabajar. Todo han sido facilidades allí, me facilitaron el espacio de trabajo, todos los materiales y el alojamiento, ¡justo encima de donde trabajábamos! Ha sido un intensivo de creación maravilloso». Gracias a este programa de residencias, Mes de Danza coloca otro granito de arena más en su trabajo por dar visibilidad más allá de Despeñaperros a los creadores andaluces. Un apoyo importante en un proceso que, en palabras de Noemí Martínez, «ha sido agotador, porque te exige un esfuerzo enorme, pero me siento muy agradecida. He podido sacar el espectáculo adelante porque me he rodeado de un equipo de colaboradores maravilloso, que ha querido ayudarme, casi sin pedir nada a cambio, y que ha sido fundamental». En el otro lado de la moneda, los que presentan su incipiente idea de proyecto esta edición, es decir, Equipo Rombo y Raquel Luque con su trabajo Pléroticas. Desde su óptica también están muy agradecidas: «En este momento en que la cultura está recibiendo el mayor hachazo de las últimas décadas -afima Raquel Luque- los que nos dedicamos a ello estamos en peligro de extinción. Todos tenemos un montón de ideas y ganas de sacar nuestras propuestas hacia delante pero casi no tenemos medios. Estamos muy contentas porque Pleróticas haya tenido el apoyo del Mes de Danza. Esto hace que nuestra cabeza siga imaginando y empiece a proyectar un poco más lejos. Tenemos tantas pequeñas ideas como capítulos y ahora sabemos que el ‘continuara’ va a ser posible». Pleróticas está aún en proceso embrionario y como Raquel nos comenta, «la creación en proceso es un experimento. Éste será el primer capitulo y es la oportunidad de poder hacerlo con el público lo emocionante. Las reacciones de estos también nos darán algunas de las claves para continuar, no sabes si vas a lograr comunicar lo que deseas, y es la incertidumbre y el deseo lo que motivó este trabajo. El deseo de querer-poder hacer tu tarea en los tiempos que corren». Equipo Rombo | Pleróticas | 2 de noviembre Xagua Cía | El Nido | 9 y 10 de noviembre Colectivo Malab | Distopic | 17 y18 de noviembre ElClubExpress.com es medio colaborador de Mes de Danza 19

Os lo venimos contando desde hace días, Mes de Danza 19 tiene como lema esta edición Danza en la Retina, con el objetivo de explorar las posibilidades creativas y la relación entre la danza y las artes plásticas. Pues que mejor muestra de esta intención que inaugurar con un espectáculo que profundiza ampliamente en estos aspectos. Se trata de Alégrame el Día, de la compañía Ro&Marí que podrá verse en el Teatro Central el día 31 de octubre. Texto: Gloria Díaz Alégrame el Día es el segundo espectáculo que Ro Sánchez y María M. Cabeza de Vaca hacen juntas. Como ellas mismas nos cuentan «la pieza es un conjunto de paisajes sugerentes de imagen y danza construidos con nuestras experiencias vitales, nuestros deseos, que nos ayudan a reflexionar sobre «la perfección». Es una apuesta en la línea de la acción performance, ilustración ,espacios sonoros, instalaciones escenográficas, danza… Una llamada a los sentidos». Un montaje en el que se combinan la danza y las viejas tecnologías que desempolvan cintas de cassete, vídeos y proyectores de transparencias, pensado para representarse en cualquier tipo de espacio. El punto de partida del trabajo es una reflexión sobre el concepto de perfección. Tomando como hilo conductor experiencias, lugares, deseos, contextos y paisajes que sus creadoras consideraban «perfectos», han articulado el espectáculo en tres espacios: la casa (el interior, el refugio), la calle ( el exterior, las relaciones sociales) y Hawai (lugar de sueños, imaginación). Ro y María los describen así: «Observándolos descubrimos que evidentemente la perfección no es un término absoluto. Para nosotras no existen lugares perfectos, la perfección existe asociada a momentos concretos y tiene más que ver con un estado vital de armonía, con un sentimiento de satisfacción, con la sensación de estar donde uno quiere estar en un momento concreto. La satisfacción está siempre viajando, es difícil que se pose mucho tiempo en algún lugar, va moviéndose y nosotros con ella. Con el trabajo no alcanzamos conclusiones, por el contrario acabamos haciéndonos más preguntas, y son estas preguntas las que nos inspiran». Y desde esta reflexión inicial, abordan un trabajo en el que cobra una presencia indiscutible la fusión entre la danza y las artes plásticas. Pero, ¿cómo se fusionan varias disciplinas a la hora de la creación?. Ellas lo tienen claro: «de una manera fluida, es algo que surge de la necesidad misma de entender el movimiento y la imagen para narrar una emoción, una sensación común, un imaginario colectivo para sentirte parte de un todo».  Una construcción, en palabras de sus creadoras, que «sucede de forma bastante orgánica, no nos planteamos a priori qué disciplinas o lenguajes vamos a utilizar, proponemos temas y luego usamos las herramientas que tenemos a nuestro alcance para crear. Realizamos un trabajo previo de mesa documentándonos a través del cine, la música, los objetos, ilustraciones; aclaramos los concepto de dramaturgia, diseñamos líneas de trabajo y en una segunda fase articulamos el desarrollo del show». Sin duda, y no nos cansamos de repetirlo en esta serie sobre el Mes de Danza, las fronteras entre disciplinas artísticas es un concepto que cada vez tiene menos sentido. En los procesos de trabajo, en el planteamiento conceptual, en el resultado final, cuando no es en un aspecto, lo es en otro, pero las sinergias y las relaciones son cada vez más claras, más evidente, más necesarias. Ro y María están orgullosas de ser una de las muestras de esta forma de expresión colaborativa  «Hay muchos creadores trabajando en esta dirección. La motivación para iniciar nuestra colaboración artística fue la de poner en común nuestro imaginario, nuestro mundo creativo, compartir nuestras inquietudes como creadoras, luego cada una da forma escénica a estas inquietudes desde las peculiaridades de su lenguaje».   Alégrame el día. Ro&Marí. Inauguración Mes de Danza 19. Teatro Central. 31/10/2012. 21h. ElClubExpress.com es medio colaborador de Mes de Danza 19

Si el año pasado sorprendieron a propios y extraños con una impactante y maravillosa imagen de la bailarina Isabel Vázquez empapada en agua (espero que no tengan que hacer ni mucha memoria porque, para mí, es de esos carteles que quedan para siempre grabados en la retina), este año Mes de Danza apuesta por la joven Lucía Vázquez para ilustrar su “leit motiv: Danza en la Retina.  Texto: Gloria Díaz ElClubExpress.com  Colores y alegría inundan la imagen de este Mes de Danza 19, en la que Lucía Vázquez es la protagonista. Una joven bailarina que representa esa nueva generación que avanza con paso firme en las arenas movedizas del panorama actual. Un apoyo firme y manifiesto por parte de la organización a esos talentos emergentes, algo que como destaca Lucía hay que valorar mucho:”fijar la mirada en los que empezamos no es fácil para los que llevan más tiempo y tienen ya una trayectoria profesional. Demuestra una humildad real y un gran sentimiento de compañerismo, que en este tipo de profesión muchas veces se ven agriadas por el ego”. Las ideas claras parece ser un rasgo distintivo de estos jóvenes bailarines, para los que es evidente qué camino se debe tomar en estos tiempos: “El camino del trabajo y del esfuerzo diario -nos cuenta Lucía- que al fin y al cabo es es el camino de las personas que aman su profesión. El no parar de tener inquietudes, curiosidad, ganas de aprender y, como muy bien dice Guillermo Weickert: flexibilizar tu cuerpo, y sobre todo, tu mente. Eso incluye viajar, hacer cursos en otros países para conocer cómo se mueve el mundo de la danza en otros sitios, qué tipo de trabajo se está haciendo y que te conozcan y vean la calidad de los artistas andaluces.Y aquí en Sevilla también se pueden hacer cosas, por ejemplo, el Mes de Danza trae en esta edición el BIDE, que me parece un proyecto muy interesante para eso mismo de lo que hemos estado hablando, para el encuentro de artistas en un laboratorio de creación; o el Certamen de Cápsulas que organizan por segundo año Área Tangent en colaboración con el CaS y con la Asociación PAD, donde el año pasado ganamos el premio del jurado (el Colectivo Kuroi Co) y en el que este año participamos otra vez; y el proyecto Vertebración de la PAD, donde tenemos la oportunidad de trabajar con coreógrafos andaluces destacados. Lo importante es estar en movimiento”. Danza en movimiento. Suena a lema de Mes de Danza, pero en esta edición los tiros van por otro lado: Danza en la Retina. La organización ha querido fijar su mirada en la relación entre la danza y las artes plásticas, una temática que se reflejará en los espectáculos y en las actividades programadas, y, como no, en su imagen gráfica. Ésta se ha construido para ello a través de un divertido Action Paiting que ha corrido a cargo, una edición más, de la Agencia SOPA y del fotógrafo Luis Castilla, quién nos explica cómo ha sido el proceso: “tanto a SOPA como a mí nos gusta personalizar la imagen en alguien y trabajarlo a través del retrato, ya lo hicimos el año pasado con Isabel Vázquez, y se eligió para esta edición a la bailarina Lucía Vázquez. Lo que hemos pretendido es que su propio cuerpo fuera el pincel con el que poder desarrollar un trabajo pictórico, que el cuerpo, que es eje en danza, pudiera serlo también en la obra plástica. Al mismo tiempo intentamos crear una imagen atractiva en sí misma, con intensidad y que genere interés en cuanto a todo lo que vamos a ver este año en el Mes de Danza“. Lucía lo tiene claro: “la idea era captar el movimiento del pelo, que iba a servir como pincel, y la sorpresa cuando llegué a la sesión, es que no íbamos a usar pintura, sino yogur de colores, que lo traían fresquito y todo. Estuvimos cerca de dos horas haciendo fotos, probando movimientos y trayectorias del pelo, así como la expresión de la cara hasta que conseguimos lo que buscábamos. Fue muy divertido, yo estaba un poco nerviosa, pero el equipo me hizo sentir muy bien y me cuidaron mucho”. «Relacionarse o trabajar con artistas que se mueven en otro tipo de lenguaje es una magnífica forma de nutrir y enriquecer el trabajo artístico» La relación entre las artes es algo muy obvio y evidente, cada vez más. El concepto de una disciplina aislada, cerrada en sí misma, carece hoy día de sentido. Como nos explica la propia Lucía “todas las artes se relacionan entre ellas. El creador se alimenta de otras obras de arte, (ya sea por las ganas de seguir aprendiendo, por la curiosidad que hace que te las encuentres, o simplemente por placer) y éste mismo suele producir obras o bocetos de varias disciplinas, aunque solo se lucre con una de ellas. Yo comparto la idea de mi amigo Álvaro Frutos, que cuándo le preguntan a lo que se dedica, él no se considera bailarín o coreógrafo, sino que se dedica al arte contemporáneo, sin especificar. Realmente tanto las artes plásticas, como la danza, como cualquier otro tipo de expresión artística, son la presentación de conceptos, emociones y situaciones por medio de algún elemento material o por el cuerpo del intérprete en el caso de las artes escénicas. Así mismo, creo, y demostrado está por la historia, que relacionarse o trabajar con artistas que se mueven en otro tipo de lenguaje es una magnífica forma de nutrir y enriquecer el trabajo artístico”. Un guiño pues de Mes de Danza a una nueva generación de artistas que tienen las cosas muy claras, que saben lo que quieren y que trabajan con fuerza y empeño en conseguirlo y a una manera de concebir la relación de las artes, fundamentada en las sinergias y en el enriquecimiento mutuo.  Vaya dos pilares para una edición que promete volver a deleitarnos un año más (¡y ya vamos hacia las dos décadas de Mes de Danza!). ElClubExpress.com es medio colaborador de Mes de Danza 19.