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Manuela Nogales: “Quiero romper el mito del bailarín maduro”

Una de las creadoras de mayor trayectoria en Andalucía, con mucho trabajo a las espaldas y que ha ido al unísono cumpliendo años con el Mes de Danza en los escenarios, estrena en el festival su último trabajo, De claves y declives. Una pieza en la que Manuela Nogales, sola y despojada de todo adorno, nos invitará a tocar con los dedos los orígenes de la danza, que acaso tal vez andan un poco perdidos: el cuerpo, el movimiento y la percepción. Con música de Bach en directo y en un trabajo intimista donde la intérprete ahondará en las oportunidades del declive como clave para resurgir cual ave fénix, Manuela Nogales aterriza en el Teatro Central durante los días 12 y 13 de Noviembre. Texto: Piedad Bejarano Foto: Luis Castilla De claves y declives, un título muy sugerente con el que te presentas este año en Mes de Danza… ¿Qué son para ti las claves y los declives? Es un poco un juego de palabras. La obra musical sobre la que estamos trabajando es El clave bien temperado de Bach. Entonces, la clave son claves, de trabajo, de esfuerzo. Me gustaba eso de clave y declive porque me apetecía trabajar con esa contrariedad de lo que supone el declive, la edad. Se supone que a determinadas edades ya no tienes que bailar, y entonces juego a contrastar que el declive hay que valorarlo y reforzarlo. Yo estoy en ello, de hecho diría que estamos en una época de auténtico declive, donde hay que regenerarse, sacar fuerza de donde sea de los momentos malos. Entonces, ¿el declive es el punto de inflexión del que partir para encontrarse a uno mismo? Sí, por supuesto. Todo momento crítico es un gran aprendizaje, son momentos para repensar cosas, darle valor a otras, y resurgir como el ave fénix. Son grandes oportunidades. También quiero romper el mito del bailarín maduro, precisamente hay que bailar a partir de los cuarenta. Un intérprete con tanto bagaje y experiencia no puede tener comparanza con uno de veinte años. Uno de mis discursos es que la danza no es una cosa física, sino metafísica, una valoración de lo que es la persona, el movimiento, por tanto la madurez creo que es muy importante, y por ello quiero romper el estigma del bailarín que a cierta edad tiene que retirarse, porque el cuerpo aporta otras cualidades, la interpretación, la forma de expresarse… De hecho, esto que me cuentas, conecta con la referencia que hiciste sobre la pieza que decía: “con 50 años tomo los movimientos como primeros y últimos a la vez lo que constituye, a mi ver, ese temblor indefinible que es la danza”. Exacto. La danza es compleja en el sentido de que no es narrativamente explicable. Conecta con otros sentidos, es más sensitiva, como la música, no sabes porque te conmueve, pero te llegan. El movimiento par a mí es lo mismo, llega de una manera menos intelectual, más perceptiva. Para mí, cualquier movimiento puede ser el primero pero también el último, pues estoy en esa franja. Con la madurez, es otro lenguaje, una evolución. Precisamente quería preguntarte dada tu amplia trayectoria, ¿cómo crees que ha ido evolucionando tu lenguaje en todos estos años? La evolución propia es muy difícil de explicar, porque no estás dentro y fuera. Vas trabajando en el tiempo con tus necesidades del momento. Las inquietudes que tienes con 30 años no son las mismas que las que tienes con 40, todo es un trabajo evolutivo que va cambiando. Lo que sí creo que he hecho un trabajo personal, defiendo un poco que cualquier creador debe tener su lenguaje propio, para considerarse creador. De alguna manera, debe investigar, definir, trabajar en unas claves. Es como cuando reconoces un Dalí. Es tu trayectoria, tu lenguaje, y eso requiere tiempo, pero dejas tu impronta, y eso solo puede darse con el bagaje. El trabajo de autor requiere tiempo, madurarse, ver a dónde va. Por lo que comentas, vamos a ver en esta pieza que traes a Mes de Danza, un fiel reflejo de la situación que vives, ¿no? Yo creo que sí, porque en este caso soy yo sola con mi propio lenguaje. Soy la intérprete, la coreógrafa… y por ello supongo que lo que se ve es muy mío, de mi estado en este momento y la evolución de mi lenguaje. Antes comentabas que la música sobre la que se trabajaba era El clave bien temperado de Bach en manos de la pianista Tatiana Postnikova. ¿Te ha servido de inspiración? ¿Cómo es trabajar con música en directo y con Tatiana? Por supuesto que te sirve de inspiración. A mí Bach me encanta de siempre, ya lo he usado en alguna ocasión. Ahora me pareció un buen momento por como yo estoy viviendo la danza. En el contexto que vivimos, tan peligroso, donde las artes están en profundo peligro, me gustaba volver al origen. Nos estamos perdiendo la danza, se está difuminando, estamos perdiendo calidad, apenas se apoya y sólo se programa en un 4%… El momento es dificilísimo y muy duro, pero también creo que creativamente también nos estamos perdiendo, lógicamente también. Entonces me apeteció volver a los orígenes: el origen de la música, Bach, para mí. El origen de la danza: el movimiento. El movimiento desligado de todo lo demás, el cuerpo y el movimiento exclusivamente, puro y duro. No me gusta adornar, soy austera y me han tachado mucho de purista. Pero creo que es importante que no se nos olvide que aparte de que se puede hacer de todo y siempre es bueno el mestizaje, la danza tiene el origen en la propia fisicalidad del cuerpo, y cuando hablo de cuerpo, es la entidad orgánica de cuerpo, mente, persona y espírito. Quería ser simple: música, y movimiento de un intérprete. Y por supuesto, trabajar en música en directo con una buena intérprete es un placer. La música te llega directamente, no hay comparación. ¿Cómo ha sido el proceso creativo? Conociendo tu trabajo, habrá partido mucho de la investigación. Sí. A veces yo con la música, otras la aparcaba. En la pieza hay momentos de silencio, que rompen con el mito de que no pueda bailarse sin música, uno de las grandes ruptura del siglo XIX. El cuerpo tiene música, una música callada. Juego con la música tocada y la callada. Has pasado por Mes de Danza en numerosas ocasiones, algo que te avala como creadora referente, y también te da una visión amplia del festival. ¿Qué opinión te merece la trayectoria de estos 20 años? Para mí es muy importante, primero como entidad, que me parece un logro que un festival llegue a cumplir 20 años en este país y lo difícil que es, me parece un gran logro. Es la única entidad en Andalucía que ha conseguido traspasar en el tiempo. La única manera de hacer cultura es que las cosas perduren en el tiempo, las cosas se hacen en el tiempo, se queda, se consolida y se impregna. A nivel personal me ha dado mucho reconocimiento, me ha ido apoyando durante toda mi trayectoria, y agradezco mucho al Mes de Danza que nunca se ha dudado de mí, y han estado ahí conmigo, apoyándome. Y como referente con tu compañía, y creadora, ¿cómo ves el panorama de la danza en Andalucía? Creo que casi todos los creadores soléis coincidir en que hay mucho talento, pero pocos medios… Lo sigo viendo como hace 20 años, asombrosamente y con mucha pena. Vamos involucionando. Creo que hay gente muy creativa, con mucho talento, no funciona la parte alta. En Andalucía no tenemos una casa de la danza, un centro coreográfico, y ha habido tiempo, y ha habido muchas personas que hemos estado luchando durante mucho tiempo porque se creen esas infraestructuras. La danza requiere unos medios específicos que solo pueden venir de la administración. No se ha creado nada de eso, las ayudas están mal contadas, vienen con presupuestos bajos… Nunca ha habido esa intención ni presupuestaria ni por entender la danza, hay recursos, hay teatros, ¿por qué no se ceden a las compañías?. No solo es dar dinero, también hay otras vías. La situación de los artistas en España en general, es terrible. De la danza ya… ni te cuento.

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Patricia Caballero, pura y dulce expresividad

Patricia Caballero recibe dulce y delicada a su público a la entrada de la sala. Ha querido propiciar la cercanía y el calor humano -algo bastante infrecuente en la danza contemporánea- rodeándose, de espectadores, incluso sobre el escenario, moviendo las butacas de las primeras filas para colocarlas cerca, muy cerca del escenario, en una suerte de laberinto de butacas. Un escenario que se presenta desnudo completamente de escenografía o de cualquier otro artificio, tal y como se nos presenta la bailarina también. Caballero hace un ejercicio de honestidad coreográfica; un trabajo sincero, tierno y con un punto de comicidad muy particular. Lo raro es que estemos vivos tiene pinceladas de puro trabajo contemporáneo, con sorprendentes referencias al flamenco, a la religión, a la niñez… Y todo vertebrado sobre un pilar fundamental: la naturalidad y espontaneidad de su protagonista. Patricia Caballero baila con el cuerpo, pero también baila con la mirada, con el gesto, con las manos, haciendo gala de una increíble delicadeza y de una gran capacidad para empatizar con su público. Y es que precisamente esa es otra de las claves de este montaje: el público es cómplice y protagonista de principio a fin. Y lo cierto es que este hecho, por poco frecuente en el mundo de la creación coreográfica, es sorprendente y muy de agradecer; destruir la cuarta pared de esta manera, interactuar, pasear entre el público, tocarlo, sentirlo y que la sientan, son hechos que propician un clima especial, casi un poco hogareño y entrañable. Lo raro es que estemos vivos es un título muy curiosos para este montaje porque precisamente el mensaje que Patricia Caballero parece proclamar es que está viva, que su corazón palpita, que la energía fluye por sus venas y se desborda en sus movimientos, en su sonrisa y en su mirada. Buen comienzo pues para la programación en teatros de este Mes de Danza 2013, una promesa de energía y alegría. Texto: Gloria Díaz Foto: Luis Castilla

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Nos gustan Marco & Chloé

Hasta cuatro pases – de los inicialmente dos previstos – tuvieron que hacer Marco Vargas y Chloé Brûlé de su No me gusta. Y es que el público se apostaba a las puertas de Estudio 35, deseosos de ver qué no les gustaba a los bailaores que contaban en esta ocasión con la participación de Fernando Mansilla. Y en medio de la noche, en aquel corralón donde se respira el arte, se abrieron las puertas del espacio, mientras que se colaban las primeras notas de un saxo que no veíamos de primeras, llevado por Luis Navarro. Fernando Mansilla nos mira desafiante, vestido cual gánster con sombrero, desde la planta alta de los vestuarios. El saxo sigue, embriagador, y Marco está sentado abajo, nos mira de reojo mientras pasamos a la sala donde está Chloé, que espera en una de las sillas que están reservadas para el público, mira al suelo, sosteniendo su cabeza entre las manos, escondiendo su cara y su mirada bajo un sombrero de paja. El saxo sigue. Sigue hasta que para. La pequeña sala de ensayo donde se desarrolla esta historia queda enmudecida. Las cuarenta almas que apenas allí cabían parecen no existir mientras esperan expectantes. Se escucha un portazo. Golpes. Pasos. En medio de la sala, una silla. Y llega Mansilla, que nos mira, que mira a Chloé. Que se sienta, que saca un libro, que se pone las gafas con tranquilidad. Y vuelve a mirarnos. Chloé se levanta. Su pie se¡ eleva poco a poco como si costara despegarse del suelo. Sus manos se posan tras su espalda y mira abajo, empieza a dibujar semicírculos con los pies mientras avanza. Avanza despacio, y llega Marco, que, con un bastón de patriarca, marca sentencia. Camina por la sala, mientras ella sigue avanzando despacio. Su pie dibuja semicírculos con fuerza, arañando la tarima. La detiene. Y Mansilla, habla: “no me gusta el flamenco”. El delirio de un loco en tierra de palmas y bulerías. La voz de Mansilla hace las veces de banda sonora en esta conexión de palabras y arte. Empieza el flamenco. Se respira el duende, el resonar del zapateo de Chloé, la música que hacen con sus cuerpos. El palmeo, se sincronizan, se encuentran. Mansilla cuenta su historia. No le gusta el flamenco, a qué clase de loco no podría gustarle el flamenco, que le golpearan con un fandango. Las caladas de un cigarro imaginario cada vez más ansiosas, el compás de los pies, de las manos, sus miradas. Una simbiosis tal entre ambos bailaores, que, a las palabras de Mansilla, ponían vida, fotogramas flamencos de una historia. Mansilla se va, Marco se va. Chloé se queda. Nos gusta el flamenco. Se queda estática y se marcha. Todos nos quedamos en silencio. Alguien, viene a por nosotros, que no nos movemos del sitio. Estamos atrapados por la magia y el duende. Cuando volvemos a la salida, allí está de nuevo Marco, tambolireando en la barandilla de la planta de los vestuarios. En un cuarto, Mansilla. Se quita la chaqueta, el sombrero, con la misma calma que se sentó al principio en la silla. En el cuarto del centro, ella, que baila sintiendo las notas del saxo, que se encuentra en la otra habitación. Golpea la pared, pidiendo más. Salen todos, la mágica melodía del saxo termina por atraparnos. Y allí, tan cerca, todo acaba en una amplia ovación interminable. Nos gusta el flamenco. Nos gustan Marco y Chloé y su manera de rozar sus límites, explorarlo. Nos gustan. Texto: Piedad Bejarano Fotografía: Luis Castilla

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A Fernando Mansilla no le gusta el flamenco

Al menos eso es lo que afirma el poeta barcelonés en el “No me gusta” de Marco Vargas y Chloé Brülé, que pudimos ver ayer en el Estudio 35, en tres pases de 10 minutos cada uno.

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La rara vitalidad de Patricia Caballero

La gaditana nos presenta en La Fundición de Sevilla, los días 6 y 7 de noviembre, su obra “Lo raro es que estemos vivos”, primer espectáculo de la Programación en Teatros y Salas de MES DE DANZA 20.

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MES DE DANZA llega a las salas y teatros de la ciudad

Acabamos de despedir, con gran éxito de público, el ciclo Danza en Espacios Singulares, que durante estos tres primeros días de MES DE DANZA 20 AÑOS ha llevado las artes del movimiento por lugares emblemáticos de Sevilla. ¡Y casi sin tiempo para descansar da comienzo la programación en teatros y salas de esta edición!

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La revolución de las margaritas

Omar Khan, co-fundador y director de la prestigiosa revista de danza susyQ, escribe para MES DE DANZA una reseña del acto inaugural de esta edición, “20 AÑOS. MUCHOS PASOS”, que celebró dos décadas de artes del movimiento en la ciudad con una marcha bailada en el espacio Metropol Parasol de la Plaza de la Encarnación, el pasado viernes 1 de noviembre a las 13h.

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MES DE DANZA inaugura su edición 20 en las calles de Sevilla

Intérpretes de distintas generaciones y procedencias geográficas bailarán juntos por primera vez en una gran sesión de improvisación con música en directo. El ciclo Danza en Espacios Singulares ofrece 16 funciones gratuitas en diez puntos emblemáticos de Sevilla durante el puente del 1 al 3 de noviembre.

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El Club Express entrevista a Guillermo Weickert

Uno de los creadores del momento que no deja de sorprender. Tras el éxito apabullante de Lirio entre espinas en el Festival de Itálica, Guillermo Weickert ha sido elegido para llevar la coordinación artística del acto inaugural de Mes de Danza que se celebrará el día 1 de noviembre en Metropol Parasol, en la Plaza de la Encarnación de Sevilla. Un evento de carácter performático con unos cuarenta bailarines en escena que pretenderá, no sólo conmemorar los 20 años del festival, sino también acercarlo al público para que tome consciencia del mismo. Con más de diez nominaciones a los IV Premios PAD que se entregarán dentro de la programación del Mes de Danza, Guillermo Weickert se sienta con nosotros a hablar sobre la muestra, su trabajo y el panorama lleno de obstáculos que atraviesa la danza contemporánea en nuestros días. Texto: Piedad Bejarano Foto: Luis Castilla Estarás a cargo de la coordinación artística del evento inaugural del Mes de Danza. ¿En qué consistirá? ¿Cuál es tu función? El término “coordinación artística” está muy bien escogido, soy una figura que facilita la improvisación que va a tener lugar. No se trata de ninguna dirección como mucha gente piensa ni de dar ninguna pauta importante, simplemente trataré de dar la mínima información posible al grupo de los cuarenta que vamos a ser para poder organizarnos y hacer una pieza de improvisación de unos 45 minutos. Realmente mi papel ha sido ayudar a María González, que ya había visto un evento de este tipo en Marraquesh y tenía ganas de recrearlo y reproducirlo aquí en Sevilla. Pero al final seré uno más, me sumaré a los compañeros como intérprete. Me parece una iniciativa muy bonita y que es el momento idóneo para hacerlo, no sólo porque sea el 20 aniversario del festival y sea un reconocimiento y regalo para los profesionales, si no también que en un contexto de crisis como el que estamos viviendo, hacer un acto más institucional parece un poco más raro. Creo que hay que devolverle la base a la ciudadanía del festival, que tome conciencia y acercárselo más, y yo creo que con este evento se va a conseguir. Realmente este acto inaugural es bastante especial y muy atípico. Sí, y no sólo porque sea al aire libre, si no por el carácter performático del mismo, se busca no que el espectador vea un espectáculo cerrado, si no hacerlo participe. También se le da una faceta política desde el compromiso y el significado, ya que nos encontramos en unos momentos en los que resulta muy duro ser profesional de la danza en España – en Andalucía en concreto -. De esta manera se le da un poco de visibilidad a la profesión. Estamos ante una edición de Mes de Danza muy importante: es su 20 aniversario. Como profesional del sector y partícipe del festival, ¿cómo valorarías su trayectoria? ¿Crees que tiene garantizada su perpetuidad? La perpetuidad del mismo dependerá de las ganas de María González -directora del festival-, que siga apostando y encontrándole un sentido a hacer un festival de danza en la ciudad. El festival ha evolucionado mucho desde sus inicios en La Imperdible con Fernando Lima y la propia María. En estos 20 años se ha convertido en un tronco muy importante de lo que es la danza en Andalucía y en España. Es todo un referente, y en esta época de carestía en la que parece que en la ciudad no se cuece nada, el Mes de Danza sigue ofreciendo un marco para las creaciones andaluzas, además de propuestas de fuera. Ha sabido crear también una marca de seriedad y de respeto que eso es muy difícil. Me preguntaban para la elaboración del libro que están haciendo con motivo del 20 aniversario si se puede entender la danza en Andalucía sin el Mes de Danza, y mi respuesta fue que ahora no es posible, se ha convertido en una especie de guía, se ha entrelazado tan bien con el trabajo de los creadores, que es imposible que entender la danza en Andalucía sin el festival… Estabas comentando que no se puede desligar el festival de la historia de la danza de Andalucía. Como uno de los creadores más potentes del sector, ¿en qué momento crees que se encuentra la danza en nuestra comunidad y qué perspectivas crees que tiene? Me puedo esforzar por ser optimista. Por un lado artístico y creativo creo que es un momento muy bueno, hay gente con muchas ganas. Lo que es el futuro real lo veo un poco negro. A nivel institucional no hay ningún apoyo ni ningún cariño por la danza contemporánea, y el poco que había se ha ido perdiendo. Si ponemos como ejemplo a la Junta de Andalucía no tiene proyecto que apoye la danza, el Ministerio retiró la ayuda este año al Festival de Itálica precisamente porque apoyaba tres creaciones andaluzas en lugar de programar cosas hechas de fuera. La realidad es que a pesar del talento, de las buenas intenciones y de la lucha de toda la gente que nos dedicamos a la danza, cada vez es más difícil dedicarse a esto, No podemos dejar de ser realistas con la situación. Por eso es tan importante este acto de visibilidad de la inauguración. Se nos está estrangulando y asfixiando. Es una situación muy dura, y para mí lo único que hace es poner de manifiesto que las políticas que se han hecho no han servido para nada, no han estado muy bien pensadas para que quedase algún tipo de estructura al venir la crisis, no hay centros coreográficos, no hay equipos de creación, y lo poco que hay, corresponden a voluntades personales y proyectos de iniciativa privada, que no son suficientes para sostener un panorama de danza como debería haber y a la altura de Andalucía. Aquí hay muy buenos creadores, bailarines y mucho talento. Yo sospecho que muchas de las personas que deberían apoyar la danza desde su cargo, o bien no les gusta o no les interesa. Y a nivel creativo y artístico, ¿por qué línea se está apostando ahora en danza contemporánea? Siempre hay un estilo en cada ciudad, pero el otro día leía una definición de danza contemporánea con la que me gustaría quedarme: ya no solo como un estilo, sino como una etiqueta que abarca lo más arriesgado de la experimentación escénica. Muchas de las manifestaciones teatrales o performáticas más avanzadas provienen de gente que o bien han sido coreógrafos o han estado en contacto con ellos. Bajo el paraguas de la danza contemporánea lo que hay es un gusto por el riesgo, la experimentación y por buscar nuevos códigos y nuevos caminos. Es difícil o no tan interesante hablar de tendencia como saber que los avances que se hacen en artes escénicas provienen de la danza contemporánea. En Andalucía como dices hay mucho talento, buenos creadores, buenos profesionales… Es un sitio para mí donde hay muy buenos creadores, hay una generación perdida casi por la falta de apoyo, pero hay mucho talento y gente trabajando a mucho nivel fuera de nuestras fronteras. No creo que haya una tendencia clara por el hecho de ser andaluces en cuanto a danza se refiere, como me preguntabas antes. Lo bueno que tiene esta falta de amparo público es, que los creadores se han ido desarrollando y expresando creando sus propias herramientas. No podemos hablar de un sello reconocible. si no una manera de hacer las cosas: una valentía y esa falta de prejuicios. Hablando de ti como creador, tú y tu compañía habéis sido los grandes favoritos nominados a los IV Premios PAD que se otorgarán durante la programación del Mes de Danza. ¿A cuántas nominaciones os enfrentáis? ¿Ilusionado? Creo que son como doce, pero no doce categorías, por ejemplo, a una misma categoría están nominadas dos de las bailarinas, en Mejor Espectáculo de Sala y Dirección estoy nominado dos veces con dos espectáculos distintos… La verdad es que para mí es muy importante que haya este reconocimiento por parte de los compañeros, porque una de las cosas más bonitas, es que a pesar de esta situación difícil que vivimos, hay un trabajo muy bueno de unificación desde la asociación, y un buen trabajo de los compañeros, en lugar de estar peleándonos por las cuatro migajas que hay. Este reconocimiento supone un poco de calidez y de aliento para continuar trabajando y me encuentro muy agradecido. Estas nominaciones avalan tu gran trayectoria profesional, pareces estar en uno de tus mejores momentos, al menos creativo, ¿no? En un momento creativo bueno, no te lo discuto, tengo muchas ganas de hacer cosas. Pero es un momento personal muy duro, también está bien hablar de las dificultades y a nivel económico mi realidad es un desastre. A veces se tiene la mirada desde fuera que cuando hay reconocimiento las cosas marchan bien, pero yo, he de decir, que no podría hacer lo que hago sin el apoyo de Toni Hurtado ni del Mandaito Producciones, que desde la producción cree en el trabajo y está dispuesto a llamar a todas las puertas. Habría flaqueado a nivel moral si no hubiera habido todo un equipo detrás amparándome. El momento es bien jodido, que por un lado estoy muy contento con el reconocimiento por el trabajo, pero la realidad es otra, por ejemplo, con Lirio entre espinas, a pesar de los buenos augurios y buenos pronósticos, no hemos conseguido actuaciones más allá del Festival de Itálica. Parece que hoy día no se puede pagar un caché para un espectáculo de más de dos personas en el escenario, ni hemos obtenido ninguna ayuda que nos alumbre un poco el futuro. Resulta bastante sorprendente, dado que Lirio entre espinas fue un éxito rotundo en el Festival de Itálica… Es muy sorprendente. Te llegan incluso comentarios de gente de fuera muy interesada en ver la obra pero la realidad es la que es. No es que no lo hayamos intentado pero de momento sigue en el dique seco. Ojalá las cosas puedan cambiar, hemos trabajado como bestias: una entrega total a nivel coreográfico, de vestuario, los músicos, la producción… Todo el mundo ha dado el máximo para crear un espectáculo del que cualquier espectador sevillano se pueda sentir orgulloso. ¿Cómo surgió esta idea de crear la pieza basándoos en el Cantar de los cantares? Eso es un mérito de Juan Antonio Maeso y Vicky Guzmán de Diputación de Sevilla que yo a nivel personal tengo que agradecerles que han sido los salvadores para mí del 2013 y generadores de ese proyecto. Surge a partir de una invitación del festival a trabajar en el Monasterio de San Isidoro del Campo y con ese tema. Tanto a Juan Antonio como Vicky los sentí muy cómplices, formando una figura que ojalá se repita más en la administración pública, con deseos, con visión, ideas y ganas de hacer cosas nuevas, ofrecer a su público algo que les sorprenda y los motive. Además la colaboración de Niño de Elche en la pieza es muy significativa, ¿cómo ocurre esto? Las ganas de trabajar con Paco eran previas al tema del espectáculo. Conocí a Charo Martín que tenía ganas de trabajar con voz en directo, con la voz como herramienta. A mí me parece que la voz y la danza son dos de las disciplinas artísticas que pasan menos por el cerebro y que aluden directamente a la emoción y me parecía muy potente. Justo fuimos a ver el espectáculo de VaConBacon de Niño de Elche a la Bienal de Flamenco y salí totalmente perturbado, emocionado, decidí que hiciéramos algo juntos. Yo sabía que ellos dos se iban a entender perfectamente con Víctor Joaquín, el músico con el que yo trabajo, y creo que el maridaje con la música electrónica ha sido perfecto. Con mejor pronóstico tienes también en gira otra de las piezas nominadas a los premios, Material Inflamable, que es el contrapunto al anterior al tratarse de un solo… Sí, efectivamente. Material inflamable es un solo que también se alimenta un poco de que no comprometo a nadie ni necesito contratar un equipo, soy yo con mi realidad, y lo hago porque me encanta la pieza, está teniendo muy buen resultado y me apetece hacerla. Te cuento como anécdota que al intentar llevarla a las provincias, la respuestas desde los ayuntamientos es que a pesar de haberles gustado la obra y haberse interesado por la misma, ellos dicen que no lo van a programar en su localidad porque no hay público para la danza. Y claro, si no programan para danza, nunca se va a crear ese público. Afortunadamente ahora tenemos Madrid EnDanza, vamos a Segovia… y parece que por otros sitios si lo vamos a mover aunque la realidad local está bastante cruda. ¿Tienes más espectáculos en gira además de estos dos? Pues sigo haciendo un solo que hice en el 2004 que se ha convertido un poco en la referencia, que se llama Descenso (Capricho), tenemos muchas ganas de seguir moviendo un espectáculo de calle que hice con María Cabeza de Vaca que no se ha visto lo suficiente y también Días pasan cosas, que en los primeros premios de la danza también tuvo un gran reconocimiento. Este espectáculo nos ha dado muchas satisfacciones, hemos podido llevarlo al Costa Contemporánea. Piezas en gira hay, lo que hacen falta son posibilidades para poder moverlas. Con todo lo que me cuentas, casi no sé si preguntarte. ¿Hay algún proyecto más en mente que te esté rondando? Pues sinceramente, hemos hecho un proceso de reflexión con el equipo de producción. Puedo seguir creando eternamente, pero estamos en un momento que la realidad no permite mover lo que ya hay. Y seguir involucrando gente cada vez en condiciones más precarias… Yo ahora mismo he decidido darme un break, para subsistir he de seguir trabajando como intérprete, y en 2014 voy a seguir con la labor formativa. Siempre van a surgir cosas y va a haber ganas de crear, pero lo que sí que es verdad es que dada la situación, no sé si podré seguir haciéndolo desde aquí.

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El cartel del MES DE DANZA, en movimiento

La imagen de esta edición, con la que celebramos los 20 años de existencia de la Muestra, cobra vida en este spot de Luis Castilla y La Buena Estrella para MES DE DANZA.

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